Eric Johnson es un guitarrista solista de Austin (Texas). Nació el 17 de agosto de 1954 en una familia con una estrecha relación con la música, empezando a tocar la guitarra a los 11 años, aunque también es un gran pianista. Desde entonces, ha grabado algunos de los mejores discos de guitarra de los últimos años, y ha colaborado con muchísimos artistas de varios estilos. También tiene 3 DVDs instruccionales, ha aparecido varias veces en televisión y ha sido nominado 5 veces a los Grammy.

Formó su primer grupo “profesional”, Mariani, con sólo 15 años.

Después viajó a África y al volver a Estados Unidos trabajó en diversos grupos, en los que hubo algunos problemas legales que llegaron a retrasar mucho tiempo su lanzamiento. Posteriormente, trabajó como músico de sesión, y gracias a esto captó la atención de Warner Bros. Records, aunque no se sabe de forma oficial cómo captó la atención de la compañía. Fue con Warner Bros. con quién debutó en una gran discográfica, con su disco Tones, en 1986.

Ese mismo año apareció en la portada de la revista Guitar Player, lo cual ayudó enormemente a darlo a conocer.

En 1987 la canción Zap fue nominada a un Grammy, pero el disco en si no se vendió demasiado bien, por lo que Warner no renovó su contrato. Posteriormente firmó un nuevo contrato con Capitol Records.

Una de sus canciones más conocidas es Cliffs of Dover, de su segundo disco, titulado Ah via Musicom. Esta canción le hizo ser nominado a un Grammy en 1990.

Pasó mucho tiempo hasta su siguiente disco, Venus Isle. Esto se debió a que las grabaciones originales no le gustaron, por lo que pasó 3 años trabajando en el disco y masterizándolo, incluso material que ya había pasado por todo el proceso. El disco vio la luz finalmente el 3 de Septiembre de 1996.

Ese mismo año abandonó Capitol Records y partició en el G3 junto con Joe Satriani y Steve Vai.

En 1994 tocó algunos conciertos con Alien Love Child, y el grupo tuvo tanto éxito que acabó siendo un grupo permanente, que lanzó su primer disco en el año 2000 a través de Favored Nations (la discográfica de Steve Vai).

En 2002 volvió al estudio para grabar un nuevo disco como solista, titulado Souvenir. Este disco salió con su propio sello discográfico: Vortexan Records. En 2005 volvió a Favored Nations para lanzar su siguiente disco, Bloom, en el que demostraba su versatilidad en las 3 secciones del disco, en las que tocaba distintos estilos. Ese año también se editó en CD y DVD su concierto de 1988 en Austin City Limits, además del DVD instruccional The Art of Guitar.

El año siguiente colaboró en la producción de teatro Primal Twang: The legacy of the guitar, una obra de teatro en la que se recorrían los 3500 años de historia de la guitarra, y tocó en un segundo G3 por Sudamérica, con Joe Satriani y John Petrucci. En 2007 también participó en una obra de teatro, titulada Love in: A musical celebration, en la que interpretó a Jimi Hendrix.

En 2010 sacó el que hasta ahora es su último disco, Up Close. Aunque pasaron 5 años desde su anterior disco de estudio, Eric Johnson no ha dejado de trabajar continuamente con otros artistas en este periodo.

Estilo

Sus principales influencias son Eric Clapton, Chet Atkins, Cream, Jimi Hendrix, Wes Montgomery,Jerry Reed, Bob Dylan y Django Reinhardt entre otros.

Su estilo abarca el jazz, fusión, new age, country, gospel e incluso pop. Una de las características de su estilo es que pese a ser un virtuoso, no pone su música al servicio de su técnica, sino que la usa cuando es necesario, dándole un toque muy característico a sus composiciones.

 Equipo

Hablar de Eric Johnson es hablar de la Fender Stratocaster. Eric usa principalmente esta guitarra, aunque también usa mucho la Gibson ES-335.

De todas formas, también ha usado guitarras de otras marcas, aunque en menor medida. Rickenbacker y Jackson Charvel son algunas de estas marcas.

Tiene además varios modelos “signature”, construidos según sus especificaciones y vendidos posteriormente en masa. En 2003, C.F. Martin & Company lanzó la Eric Johnson Signature MC-40, y en 2005 Fender presentó la Eric Johnson Signature Fender Stratocaster.

Fender Stratocaster

Gibson ES-335

En cuanto a amplificación, usa 3 amplificadores: un Fender, un Dumble y un Marshall. Tiene también otros componentes signature, como las cuerdas GHS Eric Johnson Nickel Rockers, las pastillas DiMarzio DP211 Eric Johnson Signature, y un amplificador Fullton-Webb. También hay púas signature (Eric Johnson Signature Jazz III)

Equipo de Eric Johnson en directo

Entre los efectos que usa, destacan el Ibanez Tube Screamer, el Dallas Arbiter Fuzz Face, el BK Butler Tube Driver, el Stereo Chorus de TC Electronics, el Vox Cry Baby, el delay Memory Man de Electro Harmonix, un MXR Carbon Copy, un Line 6 Echo Pro y un tape delay Maestro Echoplex. Recientemente ha empezado a usar efectos más modernos, como el Fractal Audio Axe-FX Ultra.

Discografía

• 1987 – Seven Worlds (reeditado en 1998)
• 1986 - Tones
• 1990 - Ah Via Musicom
• 1996 - Venus Isle
• 2002 - Souvenir
• 2005 - Bloom
• 2005 - Live from Austin, TX
• 2010 - Live From Austin TX ’84
• 2010 - Up Close

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¿Qué es el djent?

Ese sonido de los primeros acordes del vídeo es lo que se conoce como djent, y hay un auténtico mundo a su alrededor, desde cómo conseguirlo hasta la propia definición de qué es exactamente. Hay varias opiniones respecto a esto último: hay gente que opina que es un sonido, gente que opina que es un estilo musical, y otros que opinan que es ambas cosas.

Como he dicho antes, no sabía nada del djent hasta la semana pasada, pero en mi opinión el djent es un sonido y no un género. Yo lo definiría como el sonido muteado de la canción que he puesto antes, de hecho, djent es la onomatopeya de ese sonido (se pronuncia “yent”). Tanto es así que se considera a Meshuggah como los padres del djent, o al menos como uno de los grupos en los que más claramente se puede apreciar su uso.

Aunque mi opinión sea esa, hay también mucha gente que el djent es el estilo de música que usa ese sonido, siendo entonces un “nuevo” subgénero del metal. En este subgénero se podrían incluir otros de los grandes grupos que han contribuido a la repercusión del djent, por ejemplo Periphery, TesseracT, Chimp Spanner, Vildhjarta y Fellsilent.

Una característica en común del djent, tanto si se entiende como sonido como si se entiende como subgénero, es el uso generalizado de guitarras de más de 6 cuerdas. No es raro ver a grupos que usen guitarras de 7 u 8 cuerdas para conseguir este sonido,  y una vez más, Meshuggah es una influencia evidente en este aspecto del djent.

El sonido

Describir un sonido con palabras no es lo que mejor se me da, pero se podría decir que el djent es un sonido corto, contundente y metálico, con gran cantidad de medios y agudos, combinado con afinaciones muy bajas. También se suele considerar djent a sonidos muy sincopados en afinaciones bajas, aunque yo soy más partidario de la primera descripción.

Estilo

Muchas veces se considera al djent como el estilo que engloba a los grupos que usan este sonido, ya que suelen tener algunas características en común, como riffs polirrítmicos, compases impares y riffs pesados. También tienen en común algunas partes con guitarras limpias y voces más melódicas, aunque esto es menos común ya que muchos de los grupos que se pueden englobar en el djent también se pueden englobar en el math metal, etc.

Realmente, lo que en realidad definiría el estilo es el uso del sonido en sí mismo, más que otras características. Esto da pie a una gran libertad en otros aspectos de estos grupos, que también se podrían englobar en el djent si lo consideramos un estilo.

Grupos que usan el djent

Metal Hammer hizo una recopilación con los grupos más representativos que usan este sonido, estos son los temas que incluyeron. Puedes escucharlos en Spotify, Grooveshark, etc.

1. Meshuggah – Pineal Gland Optics
2. Architects – Early Grave
3. Periphery – Eureka
4. Tesseract – Nascent
5. After the Burial – Your Troubles Will Cease and Fortune Will Smile Upon You
6. Born of Osiris – Follow the Sign
7. Xerath – Unite to Defy
8. Textures – Laments of Icarus
9. Scale the Summit – Gallows
10. Failure of Milk – Greave the Ship
11. Skyharbor – Catharsis
12. Chimp Spanner – Bad Code
13. Cyclamen – Thirst
14. The Safety Fire – DMB
15. Uneven Structure – Frost

Enlaces relacionados con el djent:

• Got Djent?
• Seven Strings
• Artículo sobre djent en la wikipedia
• Página del tag djent en Last.fm

No hay artículos relacionados.

En Jamtrackcentral han hecho un análisis del estilo de Metallica, con backing track y tablatura. Está en inglés pero se entiende bastante bien. Para descargarlo ve a Jamtrackcentral y entra en la sección “Guitar Heroes”.

Descarga el análisis desde Jamtrackcentral

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Hay licks, ejercicios de ritmo, ejercicios con la pentatónica, patrones típicos de blues, etc, así que creo que es un pack muy interesante. Cuando tengas una buena base de licks sería bueno que improvisases sobre algún backing track.

Haz clic en la imagen para descargarlos.

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Introducción

Lo primero que debes practicar antes de tocar Ska son los acordes con cejilla, que son totalmente fundamentales en este estilo. Otra cosa que debes dominar es tocar los acordes con púa arriba, ya que en este estilo se usa el movimiento hacia abajo para hacer un sonido muy percusivo, en el que casi no se aprecia el tono o la nota que estamos tocando.

Vamos con un ejercicio que te ayudará a practicar el ataque ascendente y las cejillas.

Hay que tener mucho cuidado cuando se empiezan a practicar los acordes con cejillas porque se tiende a hacer demasiada fuerza, y es fácil lesionarse. Si cuando estés tocando sientes algún dolor o molestia, deja de tocar inmediatamente y descansa un rato. Si las molestias persisten deberías ir al médico o como mínimo guardar reposo.

Una vez puedas tocar el ejercicio anterior a un tempo moderado, puedes pasar al siguiente, en el que se usan los mismos acordes, pero se cambia más rápido y usando slides.

Hasta ahora no hemos visto nada directamente relacionado con el ska, los 2 ejercicios anteriores eran para recordar los acordes con cejilla y acostumbrarnos a tocar acordes con púa hacia arriba. Donde realmente radica el sonido del ska es en la acentuación del ritmo.

Ritmo

En ritmos como el rock, el blues, etc., se marcan principalmente las negras, pero en el ska se marca el espacio que queda entre 2 negras consecutivas. Empezando por algo sencillo, la idea es esta:

Además de marcar este ritmo, cuando se deja sonar un acorde o una nota, normalmente se hace durante muy poco tiempo (staccato). Puedes ver un ejemplo en este video.

Por lo tanto, lo que se hace es alternar entre notas “muteadas” y acordes con staccato, como en el siguiente ejemplo.

Normalmente lo que se suele hacer es, en lugar de tocar el acorde entero, tocar sólo las 3 primeras cuerdas, de forma que el sonido no es tan lleno (o grave) que cuando usamos las 6 cuerdas. Además, hay canciones en las que el tempo es muy alto y no da tiempo de tocarlas todas. El ejercicio anterior quedaría entonces:

Acordes

Ahora que sabes qué ritmo hay que llevar, es hora de saber que acordes debes usar. Como he dicho antes, normalmente sólo se tocan las 3 primeras cuerdas, así que vamos a ver cómo tocar acordes mayores y menores en estas cuerdas.

Los acordes mayores están formados por la tónica, una tercera mayor y la quinta. Estos 3 grados se pueden encontrar de varias formas en la guitarra, pero centrándonos en las 3 primeras cuerdas los podemos encontrar así.

(Acordes mayores en las 3 primeras cuerdas)

Da igual en qué parte del mástil coloques estos diagramas, siempre serán acordes mayores. Esto es evidente para los que sabemos un poco de teoría, pero quiero dejarlo claro por si alguien no lo sabe.

Imagina, por ejemplo, que quieres tocar un La mayor. Usando el tercer diagrama, bastaría con colocar la “T” (la tónica del acorde) en el traste 5 de la primera cuerda, que es un la. De igual forma, si quieres colocar la tónica en la segunda o la tercera cuerda sólo tienes que poner la “T” en el traste que corresponda a la tónica del acorde que quieres tocar.

Los acordes menores, por su parte, están formados por la tónica, la tercera menor y la quinta, y se pueden encontrar de esta forma en las 3 primeras cuerdas:

Videos y lecciones

Esto es todo lo que os puedo explicar sobre ska. Son los fundamentos, ahora os toca practicar y aprender canciones de este estilo para ir aprendiendo nuevos ritmos, etc.

Os voy a recomendar algunos videos y lecciones que he encontrado para que podáis aprender un poco más.

• Video sobre el ritmo Ska de TocaMeLaCat
• Lecciones de Ska en Ultimate Guitar (en inglés)
• Hilo sobre Ska en Guitarramanía
• Ska al estilo de Sublime (vídeo en inglés)
• Club de reggae/ska en Guitarristas.info

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Si antes ya disfrutaba escuchando esta canción, escuchar la guitarra de Randy y nada más es increíble.

Joe Bosso ha analizado el audio y dice:  “A la primera escucha, la pista de guitarra parece una sola guitarra abierta en el estéreo. Escuchándola con más atención puede parecer que en realidad sean 2 guitarras, por las pequeñas variaciones entre los canales, como en los armónicos y en el ‘timing’, además de la longitud de los arrastres con la púa… por supuesto, esto podría ser una ilusión creada por 2 micros en el mismo ampli y toma, pero separados, ya que así recogerían distintos armónicos. Pero en principio parecen 2 tomas muy similares.”

A mi me parecen 2 tomas distintas, sin lugar a dudas, pero yo no soy técnico de sonido ni mucho menos. ¿Qué pensáis vosotros?

Fuente: Gibson.com

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Si queremos expresarnos adecuadamente con nuestro instrumento es imprescindible que lo conozcamos a fondo. La mayoría de los guitarristas no conocen bien su instrumento.

Conocer dónde se encuentra cada nota en el mástil, reconocerlas a gran velocidad, así como las tríadas o arpegios básicos (1, 3 y 5a notas de una escala) y conocer todas las escalas y acordes en sus diferentes posiciones, entendiendo y encontrando las relaciones entre ellos en el mástil, puede parecer una tarea odisíaca y el trabajo de toda una vida.

Lo importante es no desanimarnos y pensar que lo importante es hacer cada día un poco y crear nuestros propios ejercicios y hábitos.

Reincido en la práctica de la VISUALIZACIÓN como una de las técnicas más importantes que aprendí en el MI. Aprender siempre recordando.

Un par de ejercicios interesantes:

EJERCICIO 1

Con un tempo dado que iremos subiendo gradualmente anotando fecha y velocidad, vamos buscando a golpe de metrónomo todas las notas A de cada cuerda, empezando desde la 6a a la 1a, y después en orden inverso. Cada semana una nota al azar (yo empezaría por las notas A, E, C, G y D, pero da igual). Este ejercicio requiere menos de 1 min. y hacerlo todos los días puede mejorar mucho, pero que muuuuuucho, tus aptitudes como guitarrista. Además, si lees música y reconoces las notas en el pentagrama, ahora que sabes las notas en el mástil lo tendrás infinitamente más fácil.

EJERCICIO 2

Imprime de internet, hazte tú mismo o pídela a alguien, una plantilla de rejillas de acordes. Lleva una en blanco siempre a todas partes y a modo de pasatiempo, rellénalas con arpegios, escalas, acordes que no recuerdes bien. Así eran mis exámenes en el MI. Escribir los que ya te sabes te ayudará a reforzarlos, pero mejor si practicas con algunos que te sean difíciles de recordar, o si intentas construir por ejemplo arpegios que no tengas ni idea como son. Esto te forzará a buscar las relaciones entre las notas. Te hace pensar como si hicieras un sudoku, es divertido y te ayudará a convertirte en un gran guitarrista (y como mola cuando te llega un colega y te pregunta, que tipo de crucigrama es ese y le vacilas diciendo, es un arpegio mayor séptima onceava aumentada chaval)
Santiago Paulet

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Armonía de Blues

Empezaremos por la armonía. La armonía de Blues es algo “inusual” ya que usan principalmente acordes de dominante, es decir que tienen una 3ªmayor y una 7ª menor: principalmente el I7, el IV7, y el V7.  Aunque el hecho de que se usen tres acordes de dominante no implica que haya 3 tonalidades distintas; ésto viene determinado por las “notas de blues” o “blue notes” que veremos más adelante en la melodía.

En blues, hay unas progresiones “fijas” que son las que se suelen usar, pero ojo, eso no quiere decir que todos los blues sean así, pero como esta lección es de iniciación no nos adentraremos más en la armonía, solamente os digo que también hay alteraciones de estas estructuras básicas que ya veremos en otra lección.

1ª Estructura: “Twelve-bar blues” (Blues de 12 compases)

Esta estructura se basa, principalmente en 12 compases que siguen un orden fijo y que, principalmente, se repiten durante todo el tema:

2ª Estructura: “Eight-bar blues” (Blues de 8 compases)

Esta estructura es menos usual, pero también se usa.

Como podéis ver, en ambos casos se empieza con el primer grado y se acaba por el quinto. Eso de que acabe por el quinto es porque como ya dije, estas estructuras están hechas para que se repitan, por lo que el quinto grado resolverá sobre el primero

En la mayoría de los casos, los acordes son de dominante, por lo que estamos en una tonalidad mayor, pero también puede haber variaciones armónicas y usar los 3 como menores, y entonces tendríamos un minor blues.

En artículos posteriores, mostraré algunas variaciones posibles para la armonía

Melodía del Blues

La base del blues es la escala mayor, pero añadiendo las denominadas “notas de blues” o “blue notes” que son, principalmente la b3 , la b5 (con menos frecuencia), y la b7:

Como dije en la armonía, el hecho de que los acordes sean dominantes viene determinado por las notas de blues, ya que al haber la nota de blues b7, actúa sobre el 1er grado haciéndolo un acorde de dominante, y al haber la nota de blues b3, actúa sobre el 4º grado convirtiéndolo en un acorde de dominante.

Pero la escala más usada en blues no es esa, sino otra que es una simplificación de esa, y se llama “Escala de blues”:

Esa escala es la escala pentatónica menor pero con una nota añadida, la b5.

Técnicamente, en la escala de blues, las dos notas de blues (la b3 y la b5), chocan con la armonía, que es mayor; ese choque es lo que hace ese típico sonido del blues. (La b7 es algunas veces considerada nota de blues en la escala de blues, pero como forma parte del acorde I7, no es denominada como tal).

Ritmo del blues

El ritmo de blues es muy distintivo pero no es únicamente usado en Blues al igual que las progresiones y las escalas. El ritmo de blues es tradicionalmente llamado “shuffle”, y se basa en tresillos, básicamente:

Con este video lo entenderéis mejor: Shuffle Rhythm . Está en inglés, pero lo importante es que veáis como es el ritmo. El que hace corresponde a la primera imágen que pongo.

Bueno, pues esto es todo, más adelante intentaré subir un artículo de blues más avanzado.

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Dicho esto, os dejo con el artículo:

No veremos una canción ni un estándar de jazz, ya que si pusiéramos la canción ya analizada seguramente la mayoría no podría seguirlo. ¿Por que es esto? En el blues o rock que la mayoría conoce se improvisa con una, o dos escalas. En cambio en el jazz se puede llegar a estar modulando y cambiando todo tiempo de escalas, y eso para un rockero es imposible. Por eso nos acostumbraremos un poco a cambiar rápidamente de escalas con un muy buen ejercicio basado en el círculo de quintas. Trabajaremos economizar movimientos, también llamado calistenia, según Robert Frip una de las cosas mas importantes que tiene que tener un guitarrista.

El ejercicio consistirá en cambiar de escala usando el círculo de quintas, llendo para adelante. Para realizar el ejercicio se debería tener un conocimiento sobre las escalas mayores, pero por las dudas para repasarlas lo mejor seria saber sus 8 posiciones .

Bueno ahora sabemos las escalas veremos el circulo de quintas que es este: iremos por una quinta justa hasta volver a empezar el circulo. Tocaremos la escala de la tonalidad que nos de tratando de movernos lo menos posible. Para eso nos fijaremos cual de las 8 posiciones nos queda mas cercana, y así lograremos sin mover casi la mano abarcar esta.

Dibujo tradicional del círculo de quintas(Aula musical de Adriana)

DO – SOL – RE – LA – MI – SI – FA# – DO# – (generalmente aquí se corta pero seguiremos) SOL# – RE# LA# MI# FA- DO

Entonces tendremos que tocar y cambiar rápidamente estas escalas:

DO – SOL – RE – LA – MI – SI – FA# – DO#- SOL# – RE# – LA# – MI# – FA- DO

Con las 8 posiciones bien memorizadas desarrollaremos la calistenia casi no nos moveremos pero cambiaremos de escalas. Este concepto se puede aplicar a los modos, acordes (ya que hay también 8 posiciones para los acordes) y muchísimas cosas mas dentro de la música. Este concepto se puede practicar con todo. Solo hay que tener creatividad para más ejercicios. En la próxima entrega veremos las escalas mayores en grupos de 3 cuerdas.

Puedes descargar un resumen de la lección aquí.

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Tony MacAlpine es un guitarrista y teclista americano, que podríamos englobar dentro del jazz y el metal neoclásico. Tiene 12 discos en solitario y ha colaborado con muchísima gente dentro del ámbito musical, entre otros, con Steve Vai.

También tocó el violín y el piano antes de empezar con la guitarra, con lo que su formación sobre música clásica ya estaba muy avanzada cuando empezó con la guitarra, tanto es así que una de sus principales influencias es Chopin.
Se le considera uno de los principales fundadores del metal neoclásico, y hay gente que afirma que en realidad es el verdadero fundador del estilo.

Tony toca y compone tanto la guitarra como los teclados en todos sus discos.
Actualmente, está de gira con The Devil’s slingshot.

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